Marek Wolfryd

Bob Norris captured by anonymous photographer for Sports Illustrated, Richard Prince, Untitled (Cowboy), 1992
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Oleó sobre tela
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39 x 58 cm
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2023

El trabajo de Marek Wolfryd (Ciudad de México, 1989) consta de distintas soluciones formales que van de la curaduría, museografía, performance y la instalación a la falsificación, Wolfryd revisa, desde los ámbitos del arte y la cultura visual contemporáneos, algunos de los absurdos y pifias de esa realización fallida del modelo económico que hoy se conoce como capitalismo tardío. El humor, y especialmente el absurdo, son en sutrabajo estrategias para abordar las implicaciones de este desarrollo histórico que tiene sus efectos no solo en el ámbito económico sino, desde luego, en el arte, sus instituciones, modos de producción y políticas – SOMA MÉXICO

El movimiento Shanzai des crea frente a la identidad, reivindica la transformación

En 2007 Jonathan Lethem publicó un ensayo titulado The Ecstasy of Influence, en el que explicaba cómo las ideas se han compartido, reciclado, robado, reinterpretado y copiado desde tiempos remotos. Lethem argumentaba que el arte está hecho de apropiaciones de manifestaciones anteriores y que la originalidad absoluta es un mito. Dentro de este laberinto de correspondencias, la exposición de Marek Wolfryd —que toma prestado su nombre del ensayo de Lethem— se navega como un hipervínculo. 

Conoce su obra: https://www.artsy.net/artist/marek-wolfryd

https://somamexico.org/archivo/persona?id=1853&nombre=Marek%20Wolfryd

https://artishockrevista.com/2022/10/10/marek-wolfryd-el-aguila-y-el-dragon/

Fantastichini transforma la materia en elementos prolijos y con carácter estético y utilitario

Sebastian Burbano Fantastichini se autodenomina como un ser solitario y curioso. En su creación, un perfeccionista. En esencia un artista reciclador con lo que crea fantásticas joyas. Esculturas utilitarias en pequeño formato que aluden al recuerdo y la nostalgia. 

Existe un nivel de perfección que a cualquier cuerdo le podría llevar a la locura, o no. Una perfección que te acerca a lograr el objetivo. Claro y conciso.  En el caso de Sebastián Burbano Fantastichini conecta con la relación del resultado de las obras que crea. Su trabajo artístico está relacionado con la transformación  de la materia, logrando con ello hermosas esculturas utilitarias de pequeño formato. 

Fotos creadas por el artista Fantastichini

Fantastichini, nació en Quito el 20 de mayo de 1977. Recuerda su niñez en una casa con perros, gatos y salidas en bicicleta al parque. Como gran parte de su familia, es amante de las aves. Su plan favorito cuando era niño era desarmar cualquier juguete, electrodoméstico o aparato para entender su funcionamiento, Alguna vez convirtió una casetera en triturador y aunque al final le sobraban partes, la cosa era experimentar. 

Su madre fue quien le acercó a la orfebrería. Una práctica que profesionalizó a través del estudio. Sus papás se conocieron en Londres mientras estudiaban. Su padre también es artista plástico y escultor.  En su taller mantiene fotos de las esculturas talladas en piedra y metal de su padre.                Al poco tiempo su madre, italiana de apellido Fantastichini llegó a Ecuador. Su madre era diseñadora de modas y  junto a su hermana pusieron una tienda de sacos tejidos en La Mariscal llamada Farfarella. 

La destreza de Fantastichini para dibujar marca el camino para su obra final. Los bocetos son elementos exactos a sus piezas finales. Definidos y de líneas limpias. En el centro de su taller, a manera de alma, una laminadora que le permite crear los más hermosos detalles para sus joyas. Estructuras y elementos. Su espacio de trabajo ubicado en los exteriores de su casa y rodeado por un hermoso jardín, tiene todo para ser un verdadero alquimista encantado por la perfección. 

Varias horas de conversación bastaron para entender la importancia de su prolijidad. Aunque actualmente a este artista orfebre le encargan anillos de compromiso, matrimonio y joyas personalizadas siempre deja volar su imaginación, vuelve al niño curioso y creador y con ello consigue las más hermosas joyas que aluden al recuerdo y la nostalgia.

Casa Kiki

Paula Arias se entrega a los eternos espirales del tiempo

Permitirnos caer y dejar que la tierra nos sostenga es la forma más sincera de entregarnos al universo. Sin controlar absolutamente nada podemos viajar en el placer de abrazarlo todo. Amor y dolor.

SUJETARME  es sujetarse a media luz 

Jugando a las carreras me perdería en un espiral del tiempo. Soy compañera de tus bravíos, emociones dislocadas y cuerpos que llegan a los barrancos. Nos encontramos para sanar, vemos profundamente, deseamos el bien. El reflejo en las encrucijadas del movimiento, atrapando. Suéltalo. Soñamos diferentes en nuestro interior, los crujidos. Las raíces cada vez son más pesadas y la quietud es un posible destino. Venimos a amar lo que es nuestro. Abrazarlo todo. Sostenernos las manos, y masticar. En un paisaje desolado sembramos imaginación y bailamos. Nos sostenemos con ambas piernas como dos parantes. El cuerpo nos pesa, nos abrazamos. Nos dejamos caer sobre la tierra que nos sostiene. Cuando te veo me reconozco.

Sujetarme, es la nueva obra de Paula Arias, una forma madura del trabajo interno de abrazar las emociones dislocadas y los cuerpos barrancosos. De abrazar el amor y el desamor. De aprender de cero a través de la técnica Feldenkrais a sostenerse y sostener conscientemente a los que ama. En esta obra Paula artista, compañera, madre, utiliza su cuerpo para sostenerse con ambas piernas y en amor dejarse caer en el eterno espiral del tiempo.   

Ilowasky Ganchala Cáceres un artista observador de lo cotidiano

Illa Experience Hotel

En el barrio San Marcos la vida se percibe diferente. La calle Junín tiene la particularidad de conservar una energía a pesar de la velocidad del tiempo Ese es el lugar que Ilowasky escogió para crear Casa Coraje. Un taller abierto al público, centro de trabajo desde donde puedan gestionar, junto a la artista Pamela Suasti, un espacio cultural, galería, taller.

Casa coraje es un espacio que busca sostener el trabajo de dos artistas que en la adversidad crean un puente directo entre el espectador y el creador. Para el artista la función social del arte es entregar al otro una experiencia para que las personas puedan mirar y contemplar.

“TRABAJO CON LA MISIÓN DE DESCUBRIR LOS SECRETOS DEL OFICIO A TRAVÉS DE LA OBSERVACIÓN DIRECTA. LUEGO DE VARIOS GIROS EN MI TRABAJO ME SIENTO ACOGIDO POR LA PINTURA, HA SIDO UNA PAUSA PARA RE APRENDER A MIRAR, PARA TOMARSE EL TIEMPO Y PENSAR CON LAS MANOS”

Ilowasky Ganchala nació en Guaranda y vivió gran parte de su juventud en Manabí. Su mirada y experiencia le permiten ser muy inteligente al momento de escoger sus objetivos para pintar. Aunque para él sea un ejercicio de contemplar la cotidianidad su clave para pintar.

Estar atento es una actitud que para Ilowasky se genera a partir de la necesidad de hacer, avanzar o moverse. Para el artista los motivos siempre se encuentran frente a uno, solo es necesario detenerse y pintar. Donde quiera que el artista vaya lleva con él su cuaderno y su pluma, dos herramientas que le permiten retratar los momentos e inmortalizarnos.

Su última muestra es Otras Derivas, pintar al andar. Una serie que estuvo expuesta en Casa Coraje hasta hoy, y la realizó en el tiempo que produjo para Habitares Invisibles, una residencia creada por el Centro de Arte Contemporáneo.

Para el artista que también ha explorado otras técnicas como el grabado y la escultura. Encontró en la pintura su reto diario. En su andar reconoce la belleza de lo cotidiano. Encuentra elementos que nos conectan por un lenguaje simple pero muy bello como los catzos de tinta sobre el papel, las hojas secas, los pájaros muertos, los elementos de la casa en conversación con escenas de ciudad como las barcas del Parque la Alameda o los patios internos y las fachadas del Centro de Arte Contemporáneo.

“Zapatos, bodegones, gatos perezosos, aves muertas, rincones domésticos y otras pequeñas cosas de la vida cotidiana son ya viejos temas de la Historia del Arte. Por ello, al ver las pinturas de Ilowasky Ganchala vienen a la memoria varias imágenes manieristas, barrocas, postimpresionistas, románticas, modernistas y vanguardistas que han representado los mismos elementos. Se puede apreciar cómo el pasado traza series discontinuas de las cuales emerge el presente. De hecho, tanto la pintura en cuanto técnica, como estas temáticas son parte de una tradición plástica. Las motivaciones que los creadores de estas pinturas han tenido durante distintos procesos históricos han sido varios: visibilizar lo que usualmente pasa inadvertido por considerarse menor, realizar alegorías morales sobre lo efímera que es la vida y sus placeres, trabajar el simbolismo de los objetos, evidenciar la riqueza que se posee, estudiar la luz o investigar la forma o la composición, entre otras. La motivación de Ganchala, por su parte, está relacionada con la elaboración de una arqueología de lo cotidiano. Los objetos y lugares representados son parte de una manera de comprender e interpretar el entorno dentro de un sistema cultural compartido por el autor. Se podría decir que Ganchala es un observador participante de la vida alrededor de los objetos que plasma. Además, su pintura encuentra una finalidad política al intentar visibilizar cosas cotidianas que suelen pasar inadvertidas por considerarse insignificantes, pero que son parte de lo que dota de sentido al espacio habitado” –  Rocha Ramírez, S. E. (2021). Arqueología de lo Cotidiano de Ilowasky Ganchala. Index, Revista De Arte contemporáneo,

Según Ilowasky para un pintor dedicado hay mucho que hacer. Una necesidad de estar presente, de estar despierto y sosteniendo la mirada. En ese andar hay mucho que recolectar. Le gusta pensar que su trabajo es un homenaje a la vida.

Un hombre reescribe desde la iglesia la historia del bordado

Un hombre reescribe desde la iglesia la historia del bordado. Wilo Haro Rivas, un hermano de la comunidad Jesuita es el encargado de representarnos el lenguaje del bordado: entramado,  cargado y brillante. Su trabajo está inspirado en el amor a la belleza, la divinización de las actividades cotidianas, el interés por la historia de las telas que lo rodean y una herencia familiar guamoteña cercana al bordado del que se siente orgulloso. 

Saber y tecnología ancestral en el arca de Noe Mayorga

*fotografía enviada por el artista

Con una vista panorámica de Ambato, el Arca de Noe Mayorga Ortiz parece suspendida en el paisaje urbano de la ciudad, donde se recrea su mundo que habita por todos los rincones de este espacio. Su alma viaja a través del conocimiento de los saberes, tecnologías y cosmovivencia ancestral andina, evidenciando su poderío. En su labor de pintor representa personajes de la fiesta popular ecuatoriana y con el uso de las piezas de LEGO los transforma en un lenguaje universal, es su forma de acercarnos con elementos que componen el diverso cosmos de nuestras nacionalidades, dotándolas de información y simbología codificadas, como en su altar, donde destacan varias figurinas de las Venus de Valdivia creadas por el artista invocando su protección, fecundidad y vida.

En su obra “Los Viajes del Noran Zhud”, varias arcas sobrevuelan el cielo mientras el viajero contempla la fantástica escena; el nutrirse de los saberes ancestrales le han permitido a Noé viajar en el tiempo y otras dimensiones de donde nos ha traido sus objetos imposibles mostrados en la serie Khipunk, donde recrea el universo andino, su legado y posibilidades, expuestas en su laboratorio alquimico donde estudia a los pueblos elevados y es custodiado por báculos de luz, cartografías, volcanes en erupción, la Venus de Valdivia naciendo de la Spondylus y  milenarios saberes espagiricos que dedican su arte a transmutar las realidades.

Los paisajes de sus personajes de LEGO son re interpretaciones de las obras de grandes maestros ecuatorianos, entre otros destacan: Victor Mideros, Camilo Egas, Manuel Rendón. Nos muestra obras en proceso de creación donde nos revela  personajes como los  Montubios acompañados de sus aperos y entorno, el sombrero Alon, la guitarra, las canoas que usan como transporte y acompañan sus viajes llenas de frutas con las que comercian, rodeados de la  frondosa vegetación que embellece la costa ecuatoriana.

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Tomas Bucheli pinta arte figurativo en Ecuador

Su estudio ubicado en la esquina de la calle La Habana con Estados Unidos resguarda en sus paredes las memorias del conocimiento, las risas, las fiestas y el ejercicio de pintar. En energía y vibración se traduce a varias sesiones y encuentros de comida, vino, cerveza y buena compañía. También varias horas de meditación y silencio. Cuando Tomás Bucheli retrata a una persona aplica la rigurosidad de la técnica y el valor del conocimiento. Su trabajo le otorga valor a la memoria del arte figurativo del país.

La Bicock Ecolodge, un lugar para explorar el bosque nublado de Mindo

La biodiversidad de Mindo es única en la Tierra. Hay pocos lugares que guardan tal cantidad de agua, vida y memoria natural. Su bosque contiene cientos de especies nativas, pájaros, mamíferos y orquídeas únicas en su especie. A solo 2 horas de Quito, donde la cordillera empieza a descender, podemos explorar el fascinante mundo del bosque nublado, uno de los pulmones más importantes del planeta, calificado por los amantes de los pájaros como un destino único para avistamiento de aves. Por esta y muchas otras razones Sebastián y su familia, después de haber viajado casi por todo el mundo en su casa rodante, escogieron Mindo para quedarse y crear su proyecto: La Bicok Ecolodge.

Entre las plantas que crecen al rededor de su hotel, el sonido del aleteo de los pájaros y el sonido del agua,  en una distendida conversación Sebastián, su dueño ya administrador, me contó, como anécdota, su llegada hasta el bosque nublado. En esta historia, Lea su hija tuvo mucho que ver en la decisión de quedarse en Ecuador. La Bicok, era un lugar para los amigos que habían conocido por el mundo mientras viajaban en su casa rodante.

Su encanto natural es un atractivo para detenerse a contemplar. Estudiar el río y lo que sucede a su al rededor. Escuchar con atención los sonidos. Mirar la neblina,  Descansar o crear. El hotel esta adecuado para hacer cualquiera de esas actividades. El poco tiempo que pasé en el lugar disfruté de los detalles. Junto a la chimenea exterior varias esculturas de madera que ambientaban el espacio habían sido talladas también por Sebastián. Además de administrar el hotel junto a su pareja, es el creador del canal · Changement de cap · donde relata a través del audiovisual, varias experiencias de su vida y en Ecuador.

Las habitaciones cuentan con particularidades únicas. Cada una es distinta a la otra. El lugar cuenta con piscina para el hotel desde donde si hay suerte se pueden observar tucanes amarillos volando por el cielo. La operatividad del lugar se ha reducido para mantener la seguridad de sus viajeros. También se han implementado varias medidas de limpieza y distanciamiento.

Como medio independiente y por las situaciones que está viviendo el mundo, no recomendamos por ningún motivo viajar con personas vulnerables o en grandes grupos. Creemos importante encontrar lugares que operen bajo la regulación que está establecida para la hospitalidad. Nos vemos en la necesidad de aclarar que las escapadas a la naturaleza nos hacen bien para nuestra mente y salud, pero tienen que ser viajes estratégicos que nos provean seguridad, distanciamiento social y la medidas que creamos seguras para nuestra propia integridad.

Telefono de contacto:

098 058 2903

RECOMENDACIÓN:

Si visitas Mindo puedes pasar por The Food Studio creado por el chef Mauricio Recalde. The Food Studio es un restaurante -laboratorio gastronómico, que articula fincas de producción orgánicas para desarrollar una gastronomía de autor. Nuestra propuesta varia día a día, ofreciendo una rica combinación de productos para veganos, vegetarianos y carnívoros. Somos parte del movimiento slow food, y promovemos redes de comercio justo.

Rumy Estudio, abordando la profundidad de la escultura

En un apartamento construido por el arquitecto, diseñador y artista Karl Kohn; conceptualiza, modela y hornea piezas de cerámica la artista y arquitecta Diana Lara. Rumy Estudio ubicado al norte de Quito está creado para  la construcción de piezas de cerámica y la producción de arte en general.

En Diana existe una curiosidad continua de experimentar, mutar, cambiar.

¨Soy muy curiosa y me interesa experimentar, nada más por el gusto de aprender y explorar, creo que continuamente me cuestiono sobre; qué más puedo hacer con lo que tengo. Mi sueño es seguir reflexionando. El material siempre será un medio y un pretexto que me permite buscar técnicas.

En sus objetos utilitarios o escultóricos se encuentra belleza, equilibrio, sentido. Su conocimiento en el campo de la arquitectura le dan entendimiento en los campos del espacio. Lara sueña con abordar la profundidad de la escultura y asegura tener un largo camino para llegar hacia su meta.

El área social del apartamento, ahora habitado por Diana, gira en torno a un escritorio ubicado en el centro del espacio. Diana mantiene en el lugar los muebles y objetos de su familia. También los cuadros de su abuela. Me cuenta que su abuela fue su primera mentora y le generó la inspiración de crear. Entre sus objetos preciados dos de los más coloridos jarrones eran de la abuela, al igual que el cuadro de las guacamayas que ambientaba el lugar. Para Diana vivir y trabajar sin salir de casa es una ventaja.

“En cierto modo siento que no tener que movilizarse hace que no pierda tiempo al ir al taller, así también es muy fácil quedarme enganchada hasta la madrugada trabajando sin preocuparme de qué hora es. Incluso en tiempos difíciles el tener cerca este espacio donde crear o destruir se siente como una válvula de escape que permite libertad a unos cuantos pasos”.

Blackmoon Tatto

Blackmoon Tattoo nace gracias al amor de una pareja de viajeros que tras llegar de Panamá decidieron abrir un espacio para tatuar. Carlos Gil renunció a una agencia de publicidad para seguir su sueño. A través de su espacio nos cuenta su historia.

Era difícil imaginarlo físicamente, pero si tenía la certeza de que sería un lugar donde la gente se sentiría  bien y feliz, y que volverían por más tinta una y otra vez

Estas información se recopiló en el proceso de un tatuaje.

1. ¿Qué debe pensar una persona antes de hacerse un tatuaje?

         C: Debe pensar muy bien en la decisión que tome, estar seguro de lo que quiere para que no arrepentirse de lo que está colocando en su piel, también es súper importante pensar con quien te vas a tatuar, ver su trabajo y verificar que la persona que te va a tatuar sepa lo que hace.

         La persona que quiere tatuarse, sobre todo aquellos que se van a tatuar por primera vez, no deben pensar en buscar lo más barato, tampoco deben pensar en copiar tatuajes de internet, ve con tu idea y deja que el tatuador te guié y te diseñe algo original 

2. ¿Qué sensaciones te genera cuando estas tatuando?

         C: Cuando estoy tatuando solo pienso en hacer mi trabajo lo mejor posible, es un momento de mucha concentración, la sensación que me deja es de relajación, así termine cansado por tatuar horas, al final estar tan concentrado en algo es casi como meditar, también lo veo como un ejercicio de paciencia ya que con el tattoo todo hay que hacerlo con calma y sin apuros.

3. ¿Cómo identificas tus tatuajes. Tienes algún trazo, corriente o método que practiques continuamente?

        C: Lo que más me gusta hacer es black work es lo que mas hago, mis mejores tatuajes han sido en los que el cliente ha confiado totalmente en mi trabajo y deja que yo me encargue de darle vida a su idea, me gusta trabajar mucho con lineas gruesas y puntillismo 

4. ¿Qué es lo más particular y cuál es el lugar más raro que has tatuado?

        C: Nunca me ha tocado tatuar algo muy fuera de lo común, creo que el mas particular que e tatuado es el de la pizza con un ojo que fue un diseño que hice yo y a un cliente le encanto y se lo tatuó, en cuanto lugares raros tampoco me han tocado cosas muy raras, lo mas raro podría ser una nalga o el lóbulo de la oreja pero igual es bastante común tatuar esas zonas. 

5. ¿Cuántos años tatuas y qué te acuerdas de los primeros tatuajes?

      C: Ya llevo unos 6 años tatuando, antes de eso trabajé mucho tiempo como diseñador e ilustrador, de los primero tatuajes recuerdo el nerviosismo por mi falta de experiencia y también la alegría cada vez que veía que mejoraba en esto- 

6. ¿Cómo te imaginabas Blackmoon antes de crearlo?

       C: Era difícil imaginarlo físicamente, pero si tenía la certeza de que sería un lugar donde la gente se sentiría  bien y feliz, y que volverían por más tinta una y otra vez.

7. Cómo nació la idea de crearlo.

          C: Black Moon Tattoo nace gracias de mi esposa, teníamos poco tiempo de haber llegado de Panamá y mi primer año trabajé en una agencia de publicidad aquí -en Quito cuando Black moon se consolidó renuncie y me dedique de lleno a tatuar, a pesar de eso también estuve muy involucrado en los comienzos del estudio en cómo queríamos que se viera y como queríamos que evolucionara, y hoy en día estoy bastante feliz y orgulloso de lo que hemos creado.

Tunas y Cabras: viajar con conciencia en la pandemia es un antídoto a la depresión

Según datos de la ONU la depresión afecta a 264 millones de personas en todo el mundo. Los datos a nivel mundial parecerían confirmar esta mayor vulnerabilidad mental, citando encuestas que muestran un aumento del sentimiento de angustia despúes de la pandemia en el 35% de la población encuestada en China, el 60% en el Irán y el 45% en los Estados Unidos.

“El simple hecho de pasear puede reducir el riesgo de problemas mentales como la depresión”. El aire fresco hace que una persona se sienta mejor, sin agobios, sin presiones. Esta comprobado que la naturaleza es uno de los mayores antidepresivos que existe.

La antigua vía, aún empedrada, que conecta a Imbaura con Tulcán conduce hasta las más de 7 000 hectáreas desérticas que rodean el Tunas y Cabras, en medio de flores de chaguarqueros,  sábila, aloe vera e imponentes paisajes del desierto. Un hotel que adaptándose a la realidad, construye nuevos espacios al aire libre, donde los viajeros pueden conectarse directamente con todos los elementos. La palabra AMOR al filo de la montaña, hecha con acero metálico, es un homenaje al motor que mueve al mundo.

El pasto verde y recién cortado atrae a los pájaros y golondrinas, que en  búsqueda de comida llegan hasta el lugar aprovechando de las fuentes de agua de un gran jardín con hermosos y grandes árboles con flores de colores. Los pavos reales duermen en las copas y es muy fácil dejarse hipnotizar por el azul que genera la piscina. El lugar cuenta con un club hípico en el que se puede aprender sobre la crianza del caballo e interactuar con ellos.

El paisaje desde las mesas del restaurante, es infinito. Enormes ventanales permiten el ingreso de luz y de aire. Los horarios extendidos y las medidas extras de seguridad, permiten que no existan tantos viajeros dentro del mismo espacio y que haya una rotación constante. Entre las medidas de seguridad que ha implementado el hotel están: la implementación de bandejas de desinfección para los automóviles al ingreso. Un lavabo móvil ubicado en el exterior de la recepción. El control de temperatura y síntomas de los viajeros. Y el uso de mascarillas en las áreas compartidas.

RECOMENDACIONES IMPORTANTES SI DECIDE VIAJAR:

Viajes en auto

Las paradas en el camino para cargar gasolina, comer o ir al baño pueden causar que usted y las personas con las que viaja tengan contacto cercano con otras personas y con superficies que se tocan con frecuencia. Tenga el suficiente alcohol para todo el trayecto. 

En público:

• Use mascarilla en entornos públicos.
• Permanezca al menos a dos metros de distancia (aproximadamente la longitud de 2 brazos) de las personas que no viven en su casa.

Baños y sectores de descanso:

• Lávese las manos con agua y jabón por al menos 20 segundos luego de ir al baño y después de haber estado en un lugar público.
• Si no dispone de agua y jabón, use algún desinfectante de manos que contenga al menos un 60 % de alcohol. Cubra todas las superficies de las manos y frótelas hasta que sienta que se secaron.

Al cargar combustible:

• Use toallas desinfectantes. Luego de cargar combustible, use un desinfectante de manos con al menos un 60 % de alcohol. Al llegar a destino, lávese las manos con agua y jabón por al menos 20 segundos.

Paradas para comer:

• La opción más segura es llevar su propia comida.

Prevea sus necesidades de viaje

• Lleve consigo una mascarilla para usar en lugares públicos.
• Empaque desinfectante de manos. Manténgalo a mano.
• Lleve suficientes medicamentos para que le duren todo el viaje.
• Lleve alimentos y agua en caso de que las tiendas y los restaurantes estén cerrados, o no dispongan de atención desde el auto, retiro de comida por el lugar y mesas al aire libre.

Polylepis Lodge, la conexión profunda que necesitas

A pocas horas de Quito se encuentra la reserva ecológica de El Ángel, un área protegida de alrededor de doce hectáreas que acoge a dos ecosistemas diferentes. En el lugar se encuentra Polylepis Lodge. El lugar permite dormir dentro del bosque y re conectarse con la quietud y la paz de la montaña.

Mausoleo para segundos pisos

Mausoleo para segundos pisos
Por: Manuela Ribadeneira
2014
Impresión 3D en resina plástica Base: 90 x 90 x 19 cm; varillas: 20 cm de alto.

Es momento de concretar nuestras aspiraciones. No podemos dejar que la inestabilidad del tiempo corroa nuestras varillas. Es momento de accionar. Mirarnos hacia adentro y continuar construyendo las columnas que han quedado olvidadas. El cielo no tiene dueño, el cielo es nuestro.

Esta obra es parte de una serie donde Ribadeneira emplea como leitmotiv las llamadas “varillas de la esperanza”, aquellos hierros vistos que surgen de los techos de las casas o construcciones proyectando su empleo en futuras ampliaciones. Aquel espacio vertical por conquistar queda apenas anunciado, la mayoría de veces llegando a transcurrir años o décadas sin que se concreten las aspiraciones. El primer desarrollo que hizo la artista alrededor de esta idea fueron las varillas que instaló en el 2008, en tamaño real, en una casa frente al centro cultural TEOR/éTica en Costa Rica. Ribadeneira las emplea como una declaración de propiedad territorial, cuyo propósito suele quedar trunco. Al pensar en el estado de abandono y corrosión en que casi siempre se encuentran estos esqueletos de columnas —una característica de la “arquitectura Impresión 3D en resina plástica Base: 90 x 90 x 19 cm; varillas: 20 cm de alto 2014 Mausoleo para segundos pisos Sala 01 Hago mío este territorio P.45 09 de la necesidad”, parte integral del paisaje urbano en Latinoamérica— parece proponer su condición de ruina como un memorial; una imagen poética sobre la derrota de los anhelos: “Comencé a trabajar esta idea como parte de mis investigaciones sobre apropiaciones de espacios. Pues dejar las varillas plantadas para el segundo piso es un aviso de que ese espacio de cielo tiene dueño. Ahora las estoy pensando como ruinas. Viven como toda ruina en ese extraño intermedio entre pasado y futuro (no hay concepto de ruina sin una noción de futuro), pero tienen poco presente”

Por: Rodolfo Kronfle Chambers (curador)

Sala 1. Objetos de Duda y de Certeza

Grabador Fantasma

GRABADOR FANTASMA
2018
Instalación · Película S 16mm
9´25´ loop
Proyecto comisionado

En “Grabador Fantasma”, Adrián Balseca presenta un gramófono sobre una canoa que viaja a través de la selva impulsado por energía solar, captando sonidos humanos y no humanos del bosque.

La investigación en que se basa la muestra es de Adrián Balseca, empezó a trabajar en 2016 sobre la explotación del caucho. Balseca se considera un coleccionista empírico de material, lo que le ha proporcionado una capacidad innata para crear nuevos discursos visuales.

Una conversación entre Rodolfo Kronfle y Adrián Balseca (Obtenido de paralaje.xyz)

Rodolfo Kronfle: Me parece interesante la manera como concentras el contenido de tus videos en un objeto protagónico que constituye el elemento medular de sus puestas en escena: una cabeza de madera gigante, un caduceo monumental de hierro fundido, un automóvil, una canoa tallada de un árbol, etc. En el desarrollo de tus filmes estos objetos adquieren una densidad simbólica inmensa al surgir de –e interactuar con– el elenco de actantes (Bruno Latour dixit) que se van interrelacionando: no solo los humanos y sus actividades, sino también el paisaje mismo y las actividades que se desarrollan en este.

Estos objetos están además inmersos en una red de creación/destrucción que de diversas maneras matiza los enunciados del progreso e interrogan hitos de nuestra historia económica. Es ahí donde parece que la obra escarba en una serie de relaciones de producción que son de gran calado en el tiempo, siendo una forma muy efectiva de sondear, sin didactismos, las capas de historia con que se configura el relato del estado-nación y sus descalces con el territorio y el individuo que lo habita. Te debe tomar tiempo perfilar el guión de cada obra. ¿Te sorprenden a veces los resultados e implicaciones inesperadas que surgen en su realización? Al conocer tu sentido del humor puedo intuir además una sutil ironía en varias piezas pero subsumida bajo una mirada contemplativa que prima. ¿Es algo que controlas o que surge inevitablemente?

Adrian Balseca: Cada proyecto merece un cuidado y dedicación especiales en la la selección de lugares a trabajar. No me gusta llamarlos “locaciones”, ni a su búsqueda como simples scoutings. Me siento más cómodo con la idea de que estos recorridos iniciales en búsqueda de sitios son aproximaciones a historias locales determinadas; y es que cada territorio o paisaje tiene mucho que contar. No trabajo con guiones, en el sentido rigorista del guión cinematográfico. Lo que sí busco es incorporar tratamientos audiovisuales que, acompañados con los “ensayos visuales” que hablábamos al inicio, funcionan como guías al momento de filmar, por ejemplo. Ahora llevo un cuaderno de anotaciones visuales que se va engrosando poco a poco antes de cada filmación.

Me interesa alimentar mis proyectos con ciertas figuras retóricas o atributos visuales que puedan detonar espacios para el humor. Como un ejercicio consciente, encuentro que el humor es muy difícil de alcanzar.

En el proyecto de Balseca colaboraron miembros de Kara Solar, una organización que se ha concentrado en nueve comunidades achuar (situadas a lo largo de 67 kilómetros cerca de los ríos Pastaza y Capahuari).

Su obra es una práctica donde las fronteras entre lo utilitario, lo utópico y lo poético son cada vez más borrosas.

La idea partió gracias a la Fundación Kara Solar, que fue la encargada de desarrollar una serie de canoas que se movilizan a través de energía solar. Un proyecto de movilidad fluvial creado en 2012 por un grupo de ingenieros y líderes comunitarios, en cooperación con la Nacionalidad Achuar del Ecuador.

Su obra está inspirada en la película Firtzcarraldo. La odisea de Brian Sweeney Fitzgerald, a finales del siglo XX. La historia se desarrolla alrededor del gusto del empresario por la música que aspira hacer una fortuna con el caucho y sueña con construir una edificación para la ópera en la selva amazónica. Balseca construye un gramófono sobre un barco que viaja sobre el Río Bobonanza en medio de la selva donde capta el sonido ambiente del entorno.

Proyecto comisionado para la 14a. Bienal de Cuenca: Estructuras vivientes. El arte como experiencia plural, 2019.

Fotografías: Archivo Centro de Arte Contemporáneo
Fuentes:
http://adrianbalseca.net/es/trabajo/49-horamen-7.html
http://www.paralaje.xyz/grabador-fantasma-una-conversacion-entre-rodolfo-kronfle-y-adrian-balseca/
eltelegrafo.com.ec/noticias/cultura/10/adrian-balseca-recorre-la-selva-con-sonidos
http://www.pichinchauniversal.com.ec/grabador-fantasma-escuche-los-sonidos-de-la-selva-en-el-cac/

La mayor colección de oro precolombino está en Colombia

El Museo del Oro de Bogotá, con cómodos accesos, amplios pasillos y hermosas salas, es uno de los más visitados de Colombia, recibe alrededor de 1.600 asistentes diarios. El edificio, diseñado por la firma de arquitectos Esguerra, Sáenz, Suárez, Samper y ganador del primer premio en la VI Bienal Colombiana de Arquitectura de Colombia en 1970, guarda más de 30.000 piezas de oro y 20.000 piezas de cerámica de la época precolombina.

Una pareja relata la tradición oral del Ecuador a través de la ilustración y el grabado

Alice Bossut y Marco Chamorro son una pareja de artistas que se encontraron en el camino para relatar, a través de la ilustración, las tradiciones orales, historias, fiestas y leyendas de nuestro país. En su taller trabajan en equipo. Comparten mucho tiempo juntos y ahora son padres de un bebé de 10 meses. Valoran su autonomía y por eso crean proyectos personales que les permitan descansar de su poderosa sinergia conjunta.

Alice Bossut es francesa, estudió en Bruselas y vivió 7 años en Bélgica. Un móvil hecho por Alice giraba en la mitad de taller. Hecho de papel, reflejaba la luz, este fue diseñado y creado para su hijo. En la casa de los Chamorro-Bossut, la sala y el comedor son espacios adaptados para ser taller: varias mesas de trabajo organizadas en el lugar les permite tener clasificada su producción.

Esa mañana, Marco colocaba estructuras de balsa tras los grabados para generar la sensación de estar volando sobre la pared. Las obras eran los grabados originales de las ilustraciones que apoyan al recetario del chef Esteban Tapia. Una investigación inspirada en historias alimenticias que tomó forma a través de las palabras de la escritora Liset Lantigua . ‘¡A comer! Recetario ilustrado de los pueblos del Ecuador’. Trabajo que les ha tomado gran parte del año.

Alice me ofreció una taza de café. Mientras lo preparaba me indicó el libro ‘A ritmo endiablado de la bomba’. Una edición que se destaca, además de su historia, por la calidad de su gráfica y por su armado. Me relató la historia Davilará, un bombero músico que tuvo contacto con el diablo 3 días y 3 noches y que murió en el Valle del Chota, en los noventa. “Hasta ahora sigue siendo una leyenda viva”, me dijo.
Las historias que escogen ilustrar están cargadas de mística, magia y realismo, y se vuelven un imán visual al momento de estar acompañadas con sus trazos. Las texturas de sus trabajos se logran al pasar varias tintas sobre el papel con colores no convencionales. Su particular manera de encuadernar o plegar hacen de sus historias perfectos libros objeto.

Alice también me enseñó los Al pasinos, un formato que proviene del fanzine en el que invitan a artistas visuales a crear su propia historia. ‘El gigante de la laguna’ es una historia de la comunidad de Cotacachi, también parte de su serie editorial. La historia trata sobre un gigante que vive en la laguna de Cuicocha. El editorial les permitió jugar con el formato, un desplegable en forma de acordeón, y las varias capas de intensos colores primarios.
La publicación fue ajustada al francés para ser publicada en Bélgica. Todas las publicaciones antes mencionadas vieron la luz en Comoyoko, un taller editorial creado en 2015 en el que tienen como premisa ilustrar para contar, no para adornar. Han trabajado junto a Roger Icaza, Dipacho, Gerald Espinoza, Santiago González y otros ilustradores. “Hemos crecido juntos en ésta nota”, comentó Marco.

Sus publicaciones se destacan por la calidad del acabado. De manera enfática me contaban cómo los colores funcionan al momento de fusionarlos. Hablaban técnicamente las maneras por las que habían optado para impermeabilizar el papel para impedir que los colores no se trasparentaran. Han descubierto varias formas en el camino para producir sus objetos. “Las satisfacciones llegan por otros lados” -me decían-. “Te invitan a congresos, a nuevos espacios, difundes obras, produces. Si tú no lo haces, no lo va a hacer nadie”. En el lugar, los artistas dictan talleres de grabado, xilografía y serigrafía. Técnicas que usan para transmitir sus mensajes.

Toda la producción que ordenaban en ese momento lo habían hecho en 1984 Oficial, un espacio donde trabajan con serigrafía textil, producen cerveza y gestan nuevos proyectos cercanos a las artes visuales aplicadas.
Alice me invitó a conocer el espacio compartido. Los colores y las texturas de sus grabados resaltan en la pared de 1984. Ahí, Alice compartió el proceso para realizar un grabado. Técnica que requiere de precisión, fuerza y pulcritud.

La pareja planea viajar en verano a Francia. Volarán solo con un ticket de ida. Visitarán la Feria de Literatura Infantil de Bologna. Además planean mostrar su trabajo en la Slow Galerie, de Paris. Alice me contaba sobre su admiración a la Amazonía. Lo asombroso de las texturas de los paisajes de Ecuador. Lo apasionante que ha sido retratar culturalmente a nuestro país. Junto con Marco, presentarán su próxima muestra en el Centro Cultural Benjamín Carrión: un recetario en el que cada plato está acompañado de una expresión popular, un mito, una leyenda, una copla, una décima, un juego o -a veces. una anécdota, que tiene relación con la comida, con el plato, el alimento o la persona que lo prepara. Contas las historias de nuestro país como pocos lo hacen.

Recomendación de ilustradores a seguir:
Joële Joilvet
Isol

Yo sólo se tejer

La columna vertebral de una mujer estaba partida en dos. Crecía junto a las plantas y le resaltaba el rojo. Pamela Suasti aprendió a tejer a los 15 años junto a su madre y ese día tenía a su ‘Alma’ en el hombro. Un traje hecho de hilo en crochet que le cubría completamente el cuerpo y le tomó un año hacerlo. Luego de experimentar la pintura, el arte instalación y otras técnicas, descubrió en el tejido su camino para comunicar. Una continua e intensa producción ha desencadenado en Pamela una tendinitis en su brazo derecho y una distonia del escribano en su otra mano. Es un temblor en la mano cuando escribes’ –me decía.

En su dormitorio que usa para crear, cuelgan las lanas de fibras naturales. Hilo de chillo que proviene de una planta que según Pamela le otorga el nombre al Valle de los Chillos. Lanas de colores a las que Pamela diferencia con solo verlas. Se las siente entre el algodón y el acrílico. Entre oveja o alpaca. La hilada a mano o la que es teñida artesanalmente. Se debe sentir de cerca eso de girar en espiral el material para entender como los nudos se entrecruzan unos con otros. Suasti aprendió a hilar, torcelar, teñir y otros procesos en Perú. ‘Voy coleccionando las lanas solo por su color o características’- decía.

Desde 2015 en adelante Pamela ha sido llamada por el hilo rojo. Su ilustración se complementa con el bordado. Una serie de doce piezas de auto retratos en los que Pamela trabaja solamente con el hilo rojo. Sus ilustraciones brillan con los nudos sobre el papel del intenso rojo. Auto retratos de la artista y sus pasatiempos que le sirvieron de terapia, están atravesados con los nudos, al igual que las serie: ¿Qué habré hecho yo?. Siete cartas de amor inspiradas en un dolor emocional que le causó una relación pasada. Mensajes de texto que ahora están cubiertos o tachados. Palabras de dolor que Pamela debió haber leído una y mil veces mientras con paciencia las bordaba. Es como tratar de anular todas esas palabras. ‘Transcribir lo que el man me decía, si fue un poco denso’.Para la artista el rojo comunica de una mejor manera: la intimidad y la tristeza. Existen leyendas del hilo rojo que nos dicen que estamos conectados como una red gigante. ‘La vida tiene la forma de un tejido gigante, posiblemente’- me decía. De su armario sacaba con cuidado la ‘Carta de amor’. Una instalación que había tejido sus hilos a un corazón hecho de tela, que lo había puesto en el piso y había tensado los hilos con alfileres al corazón. La carta repetía la frase: ya no quiero sentir este hueco en el pecho que me desgarra el alma. Según Suasti el dolor le ha permitido conectarse con más personas que se identifican con sus procesos.

Una señora que no sabía leer ni escribir le había dicho a Pamela: ‘yo no se hacer nada, solo sé tejer’. Eso le inspiró para nunca más dejar de tejer y para llevar tatuado una madeja en la piel.